Trioon I : Alva Noto+Ryuichi Sakamoto×Karl Kliem

Arno Fabre Electronic sound installation Dropper 01 at Gaudeamus Music Week

Instalaciones sonoras

Si nos remontamos a su inicio el término Instalación Sonora tiene un origen de necesidad, es enunciado por primera vez a finales de los años 60 por el artista americano Max Neuhaus, que crea tal término con el fin de describir sus obras sonoras, que no son acontecimientos sonoros sino sonidos ininterrumpidos (duran meses incluso años) que él instala en lugares específicos, espacios determinados previamente, que son esenciales para la apreciación tanto del sonido como del entorno. Por lo tanto, el fue el creador de la primera instalación sonora Drive-in Music en 1967-68, con respecto al uso y aplicación del término propiamente dicho.

Generalizando, estas experiencias se engloban dentro del arte intermedia, la instalación sonora se caracteriza por utilizar diversos medios expresivos haciéndolos interactuar y con el sonido como configurador central. Según Robin Minard, el término de instalación sonora ha sido usado para describir "un arte interdisciplinar lleno de variedades en el que se integra el sonido de una manera no convencional (....) en las Instalaciones sonoras nosotros encontramos esa cualidad de la relación, primero entre el audio-visual y elementos arquitectónicos, y segundo entre el sonido y el espacio en el que el trabajo es concebido, en definitiva, entre el sonido, el espacio y el observador" . Concretando la instalación sonora define una obra artística donde se conjuga equitativamente sonido y espacio, estos son necesarios por igual para la concreción y significación de la pieza, la utilización del sonido incorpora una nueva dimensión a estas piezas, la dimensión temporal. En este mismo sentido encontramos la definición de Brandon LaBelle “En general, la instalación sonora consiste en, o lleva a una conversación, dos elementos, principalmente, sonido y espacio. La instalación sonora se basa en la premisa de la noción de utilizar el sonido como un medio; y vive dentro de la práctica general de la instalación, el sonido se realiza, o posiciona, en relación con una situación espacial, bien que se encuentre o se construya, actualice o imagine, el espacio se lleva a la función general del trabajo artístico.” .

La instalación sonora nace para dialogar, interferir, resonar con un espacio concreto que la alberga, el espacio y el sonido están determinados entre sí, el sonido tiene que estar en relación directa con el espacio y viceversa. Esta obra es indisociable a ese espacio confiriendo a éste cualidades esenciales durante su exhibición. Como hemos dicho el espacio esta íntimamente ligado al sonido, puede estar creado (espacio creado específicamente para la obra), o bien puede estar seleccionado previamente (espacio dado), en este caso se realizará un ejercicio sonoro específico que se insertará en un espacio concreto haciéndose servir de sus características propias, práctica ligada a la intervención, que en este caso podría pasar a llamarse intervención sonora. Estos lugares no tienen la necesidad de ser espacios convencionales de muestras, pueden ser calles, bosques, pasillos, salas públicas, al igual que los acontecimientos sonoros. En definitiva, el sonido interviene en el espacio y el espacio en el sonido, la unión de estos elementos configuran una realidad artística llamada instalaciones sonoras. La instalación sonora se expresa con recursos tomados bien de la arquitectura, -obviamente- de la escultura o la instalación visual, de la música, de la narrativa audiovisual o de la poesía, más allá de que haga más o menos uso de medios y soportes diversos, “se caracteriza porque los recursos expresivos que pone en juego hacen interactuar lenguajes que pertenecen a disciplinas artísticas diversas, pero con el sonido como elemento central irrenunciable” . Además toda instalación sonora añade una nueva dimensión diferenciadora, como ya hemos apuntado, se trata de la dimensión temporal, como indica Clara Garí “además de ser el espacio que ocupa, es también el tiempo que pasa” , con lo cual, en toda instalación sonora se une la percepción espacial a la temporal.

Estamos de acuerdo con Christoph Metzger en que las instalaciones sonoras se refieren a espacios concretos, que son en cualquier caso accesibles públicamente. La mayoría de las obras en este campo parten de edificios arquitectónicos concretos y rediseñan los espacios en su perfil acústico y señalan a través de intervenciones mínimas significados relacionados con la historia de los espacios. El contenido de los espacios es cargado con nuevas significaciones, de aquí que nosotros consideremos más apropiado llamar a este tipo de obras intervenciones sonoras, aunque el término más comúnmente empleado es el de instalaciones sonoras. Como ejemplos, podemos adelantar el nombre de Christina Kubisch en The Mystery of History una instalación electromagnética realizada en el 2000 en un patio interior de un antiguo castillo, dice la artista “Con la ayuda de un sistema de inducción magnética, que originalmente se utilizaba en la traducción simultánea, ´se pone música´ nuevamente en la zona del puente junto con el foso debajo, las armaduras de los caballeros y la poesía de los caballeros, el chirriar de las puertas y el rechinar de las cadenas vuelven a ocupar su puesto habitual” . La vienesa Andrea Sodomka llevó a cabo, con el Centro de Arte Actual de la Alta Austria, el proyecto Pues no éramos más que muchachas de 1999 que tenía como tema el colegio de niñas de las ursulinas en la época nazi. Más de 100 entrevistas a antiguas alumnas, junto con grabaciones radiofónicas históricas se elboraron como material de audio que luego utilizó en la instalación como base para hacerlo sonar por todo el edificio.

La elección de los espacios le da a la mayoría de los trabajos el impulso decisivo, ya se trate de espacios sagrados, piscinas, depósitos de agua o aparcamientos subterráneos, de estaciones ferroviarias o túneles, siempre hay determinadas funciones ligadas a estos lugares que se convierten en parte integrante de los trabajos. El juego con las características de un espacio se hace imprescindible para la realización de la instalación sonora o, mejor dicho, intervención sonora.

Ryoji Ikeda

El trabajo de Ryoji Ikeda está basado en el interés por los fenómenos sonoros y lumínicos, y la forma en que estos se materializan y se manifiestan al mundo. Establecido en New York, es uno de los compositores de música electrónica más importante de Japón. Su obra está basada en la percepción de los ultrasonidos, así como con sus frecuencias y sus características esenciales, estudiando las relaciones con la percepción humana y las matemáticas con la música, el tiempo y el espacio. Utilizando la informática y la tecnología digital hasta el propio límite, Ikeda ha estado desarrollando unos particulares métodos "microscópicos" para la composición e ingeniería sonora. Aparte de componer, también ha trabajado activamente en instalaciones, como data.tron [prototype] (2007) y Spectra II (2002). Desde 1995, ha estado en intensamente trabajando dentro del campo del arte sonoro a través de conciertos, instalaciones y grabaciones: los álbumes +/- (1996), 0º (1998) y Matrix (2000) fueron aclamados por la crítica como los ejemplos más radicales e innovadores de la música electrónica contemporánea, así mismo, Ryoji Ikeda recibió el premio Golden Nica en Prix Ars Electronica 2001 en la categoría Música Digital.

El arte de los ruidos: Luigi Russolo

A finales de 1910 la música se integra en el Futurismo cuando el músico Pratella presentó sus manifiestos: el Manifiesto de los músicos futuristas, 11 de octubre de 1910 y el Manifiesto de la Música futurista, 11 de marzo de 1911.

Sin embargo, será el pintor Luigi Russolo quien producirá una verdadera revolución en la concepción de la música de su tiempo, valorando el espacio e incorporando el ruido a la composición sonora y al espacio artístico. El 11 de Marzo de 1913 Russolo lanza su manifiesto El arte de los Ruidos, manifiesto que dota al Futurismo de una base teórica en la que apoyar su investigación en la creación de un arte fundamentado en los sonidos propios de la era moderna, los ruidos “esta evolución de la música es paralela al multiplicarse de las máquinas, que colaboran por todas partes con el hombre” .

Este manifiesto supuso un cambio radical en la concepción y percepción sonora de la música dándole importancia al espacio vital del momento, al espacio de la nueva era industrial caracterizada por los nuevos sonidos del progreso. No es por tanto extraño que no fuera un músico quien revolucionó la concepción sonora, Russolo fabricó unos nuevos instrumentos-mecanismos, junto a Ugo Piatti, capaces de generar los nuevos sonidos-ruidos aparecidos en la revolución industrial, los Intonarrumori, y ellos a su vez organizados para la orquesta del ruido.

Russolo manifestará que la era industrial ha creado hoy tal variedad y concurrencia de ruidos, que el sonido puro, en su exigüidad y monotonía, ha dejado de suscitar emoción, por lo tanto es necesario vincular espacio y música para mantener vigente la experiencia sonora, “Hay que romper este círculo restringidos de sonidos puros y conquistar la variedad infinita de los sonidos ruido [...] disfrutamos mucho más combinando idealmente los ruidos de tren, de motores de explosión, de carrozas y de muchedumbres vociferantes, que volviendo a escuchar, por ejemplo, la “Heroica” o la “Pastoral”” . Este manifiesto será dedicado al músico Pratella y formula la utilización del ruido dentro de un contexto musical. El Futurismo enriquece el campo de los sonidos a través del sonido-ruido, como consecuencia de las nuevas variedades sonoras surgidas del desarrollo de una sociedad industrializada donde constantemente están apareciendo nuevos sonidos.

Russolo señalaba que ésta ampliación ruidística no sólo debe ser producto del desarrollo de la industria, sino que, además, el artistas debe intentar descubrir nuevas estrategias para la creación de nuevos sonidos, nuevas máquinas capaces de crear, generar y modificar nuevos tonos. “Nosotros queremos entonar y regular armónicamente y rítmicamente estos variadísimos ruidos [...] el arte de los ruidos no debe limitarse a una reproducción imitativa [...]. Los movimientos rítmicos de un ruido son infinitos” . No obstante, en el Futurismo también se debe advertir que los sonidos provenientes de la naturaleza serán observados como generadores de sonidos con propiedades musicales. En este aspecto, Russolo inventa una nueva notación musical para interpretar los entonarruidos, explicado en su Grafía enarmónica. El manifiesto del los ruidos estuvo acompañado de la presentación de sus Intonarumori, que en su conjunto formaban una orquesta de ruidos. Tras una serie de conciertos en París, Praga y Londres estos nuevos instrumentos no tuvieron el más mínimo interés desapareciendo los treinta que existían. La orquesta estaba dividida por 6 familias muy estructuradas de ruidos como eran: estruendos, silbidos, susurros, chirridos, percusiones y voces. Además estos intonarumori revolucionaron la representación convencional de lo que había de ser la música.

Russolo incorpora los sonidos observados en la naturaleza, máquinas.... a la experiencia musical, los redescubre ampliando la experiencia sonora y modificando la concepción del espacio y del sonido. El espacio comienza a ser escuchado con otros oídos más libres, menos acomplejados, alejados de la rigidez de la música tradicional, los artistas plásticos entraban en el campo sonoro, concibiendo el sonido como una materia más a su alcance con la que trabajar, decía Russolo que la característica principal del ruido era la de remitirnos brutalmente a la vida. Se empezaba a vislumbrar la necesidad y la valorización del espacio dentro del campo sonoro.

Los futuristas supusieron un cambio radical en la concepción de la música, saliéndose de los esquemas y dándole valor a los ruidos ampliaron considerablemente el espectro sonoro que existía hasta el momento. Como concluye Russollo en su manifiesto "He podido concebir la gran renovación de la música por medio del arte de los ruidos" . Su gran aportación fue descubrir el mundo de sonidos que le rodeaba, oír su presente e incorporarlo a la escena artística.

[at024] SuperD’Orch - TCP/EP

SuperD’Orch es una Orquesta Digital creada en la Universidad de Edinburgo (Escocia). El proyecto nace de la mano de 5 artistas sonoros interesados en la conjunción de distintos métodos de procesamiento de audio y transmisión de datos en tiempo real.

La orquesta SuperD’Orch centra sus esfuerzos en crear un espacio en el que discutir temas como, composición, performance y tecnología aplicados al campo del sonido digital.

Space Speaker. Bernabé Gómez

Instalación sonora con gráficos de síntesis controlada por el movimientos de los usuarios en la sala.

Confluencia entre el sonido y el espacio de las artes plásticas

En breve se va a presentar y defender la tesis "Confluencia entre el sonido y el espacio de las artes plásticas" de Bernabé Gómez Moreno en la Universidad Miguel Hernández de Elche. Esta tesis dirigida por el catedrático de la UPV Ramón de Soto profundiza sobre la relación que existe desde la antiguedad entre el sonido y el espacio de las artes plásticas y como en la actualidad ha evolucionado apareciendo en el arte contemporáneo las discipinas de arte sonoro y en concreto la instalación sonora. En breve más información